samedi 19 octobre
Pour l’ouverture du festival, on ouvre le jardin mécanique de l’Embobineuse, avec un petit moment convivial et de lectures !

Lecture de plusieurs fictions-poèmes de Chams Barkaoui

Ces histoires, laiteuses, sont pétries par la fatigue mais aussi par l’acharnement. Les personnages s’échappent d’un monde qui les violente tout en faisant corps avec lui, et se demandent, comment s’enfouir ? Se blottir dans les brèches ? Comment retrouver ses pairs dans la fuite et ses cachettes ? Et finalement, comment est-ce qu'on devient sa terre et la terre devient nous, tant dans ses états délétères, ses façons de lutter, ses ressources limitées et ses pollutions éternelles.

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Les fictions-poèmes lues sont issues de « Mourir dans la terre », recueil micro/auto-édité par Chams Barkaoui en 2024.

Chams Barkaoui est auteur et artiste transmédium. Nourri par les écologies queers et décoloniales, iel pense son travail comme un outil qui permet de former et de choyer des relations interespèces et interdimensionnelles. Iel porte une contre-humanité pour une libération totale, en allant, par des procédés de narration, rendre poreuses les catégories animales, végétales, minérales, spirituelles et technologiques. Attaché aux pratiques collectives, iel travaille régulièrement avec d'autres auteur-ices, chercheur-euses et artistes. En parallèle, son écriture prend la forme de cartographies, d'essais (« Manifester la magie », autoédition, 2020) et de fictions publiées dans des revues et recueils, ou performées en public dans divers lieux d’art.

Photo © Mourir dans la terre de Chams Barkaoui, 2024.

samedi 19 octobre
Pour l’ouverture du festival, on ouvre le jardin mécanique de l’Embobineuse, avec un petit moment convivial et de lectures !

Lecture par Janis Sahraoui : son récit de vie coécrit avec Tal Madesta (éd. Harper Collins, mai 2024)

Des années avant de révéler sa transidentité, Janis est un petit garçon aux yeux de tous. Les autres enfants la harcèlent, l’appellent « la fille manquée », et elle est victime violence domestique à la mort de sa mère. Pour survivre, une seule solution : se créer un masque. Janis partage ses compositions musicales sur Myspace et incarne Sliimy, un personnage aussi pétillant que sa vie est sombre. Ses chansons deviennent virales. Bientôt signée par un grand label, Sliimy compose son premier album, Paint your face, un succès propulsant l’artiste sur les scènes du monde entier. Malgré ce masque de paillettes et de gloire, le harcèlement reprend de plus belle, décuplé par la célébrité. Sliimy sombre. Sa résilience prendra la forme d’une prise de conscience radicale : pour que le monde voie en elle la femme qu’elle est depuis toujours, elle doit révéler son vrai visage et transformer son corps.

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Janis Sahraoui est une artiste pluridisciplinaire, à la fois autrice-compositrice-interprète. À travers la musique, la performance et la poésie, elle explore des thématiques comme l’identité, le genre et la liberté d’être soi. Sa musique, alliant des influences électro, pop et expérimentales, se distingue par des textes introspectifs et poétiques, traitant de la transformation, de la résilience et de l’émancipation.

Janis est à Marseille cet automne pour enregistrer son premier disque à venir chez nos amix du label Recue + Return Records.

samedi 19 octobre à L'Embobineuse

Live • compositions médiévales hyperpop

stelios.exe proposera un live inédit pour transform!, avec comme fil rouge les œuvres des compositrices médiévales Hildegarde von Bingen et Kassiani.
Flûte augmentée d’effets électroniques, voix distordues et productions apocalyptiques, le live alternera moments de recueillement et moments de tempête, à l’image des affects humains les plus extrêmes.
Les lignes mélodiques seront tantôt pures et apaisées, tantôt déconstruites, luttant pour se frayer un chemin à travers une mer déchaînée d’illusions et de mirages.

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stelios.exe est un musicien/producteur basé à Marseille. Il construit des ponts entre musique Renaissance et hyperpop, deux genres nés à trois siècles d’intervalle, mais tous deux basés sur une expressivité mélodique accrue.
Le contrepoint renaissance, technique de composition développant plusieurs mélodies simultanées, s’intègre ici à une approche maximaliste de la pop, où les codes et les effets sont exagérés et poussés à leur paroxysme.
La flûte Renaissance et la voix émergent donc d'un sound design électronique radical, comme un rai de lumière à travers un vitrail déformant, où les éléments familiers sont distordus, altérés...
La démarche du musicien s’inscrit dans le mouvement déconstructif : elle cherche à abolir les barrières entre les genres et fusionner des influences populaires avec des concepts dits "savants".
en savoir +
écouter sur Soundcloud, sur Bandcamp

Photo © George Kondylis

samedi 19 octobre à L'Embobineuse

DJ set • trip sonique tout sourire

Pour concevoir ses mixs comme des trips spirituels et kaléidoscopiques, Nadou le rdv digge dans les répertoires hard et acid trance, hard dance, oldschool acid techno et tribe. Ses autoroutes de kicks qui s’alternent avec de longues nappes instrumentales parsemées de bruits, psychés, mystiques, organiques, roulent sur des bpm bien énervés oscillant entre 130 et 160. L’idée derrière la selecta c’est qu’elle emporte dans une ecstatic dance, qui finit toujours avec le smile.

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C’est dans les années 2010 - en ponçant les linos des clubs parisiens comme chez moon, la rotonde, la machine du moulin rouge ou encore le rex club - que Nadou le rdv découvre la musique électronique.
Elle assiste à son premier teknival en 2015 : c’est une révélation musicale et politique, car c’est dans la fête libre, devant des milliers de kilos de son, qu’elle commence à composer son répertoire. Elle se met à bosser dans un label de musique hardcore où elle participe à organiser des soirées et des festivals dans toute la france. Puis elle quitte les bureaux pour la régie pour se rapprocher toujours plus du son. En parallèle, elle squatte les affiches des festivals (Vizions, Sacho, Musique Magique…) et des soirées queer de paname et de navarre (Mouillettes, Jeudi OK, Bizarre, Kindergaten, Coucou..).
Pour elle, la fête devient une revendication : avoir le droit d’être soi. Mais c’est surtout faire famille, en dehors du patriarcat, du racisme, et de l’homophobie.
écouter sur Soundcloud

Photo © Camille Picquot

samedi 19 octobre à L'Embobineuse

DJ set • remixes de fête à haute vitesse

Avec des kicks rapides et des remixs détonants, D. Jekyll alterne musiques de club, de free party et ambiance fête de village. Avec divers genres électroniques, tout est concocté pour taper du pied dans la joie et la bonne humeur.

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D. Jekyll s’est solidement mis aux platines lors de soirées organisées par et pour les queer aux cotés du collectif Error.tpg. Passé ensuite (et entre autres) par la Pride Marseille pour les closing 2022 et 2023, il fait désormais partie des artistes accompagnés par le festival transform! et y présentera le projet immersif et audiovisuel Hiatus, imaginé en duo avec Euphorbia Peregrina. Pour découvrir Hiatus, rdv le vendredi 25 octobre au Labobox de la Friche la Belle de Mai.

SC : https://soundcloud.com/d_jekyll
IG : https://www.instagram.com/d._jekyll/

mardi 22 octobre

Lecture • poésie slam + rencontre animée par Aphélandra Siassia

Nourrie par les luttes de Kinshasa comme celles de Bruxelles, la poésie slam de Joëlle Sambi est un flow ferme qui déborde les violences exercées par tous les systèmes de domination. Un flow qui saisit et décape jusqu’à faire apparaître les contours d’un monde qui placerait la justice et la joie au centre de nos vies.

"Écrase la peine, torture-la, triture les passions Dissèque ton âme
Explose, expose !
Expose ce qu’il te reste d’humain
Tes restes de fierté
Dégage le cœur et ses lambeaux
Dégage, regarde !
Regarde
Ça fait des reflets brillants sur les murs gris de la ville"

'Et vos corps seront caillasses', Joëlle Sambi (L'Arche, 2024)

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Joëlle Sambi
« Je ne peux concevoir l’art en dehors d’un ancrage politique, je le pratique et l’accompagne donc toujours d’une réflexion qui m’amène à douter de tout, à déconstruire constamment, à creuser de nouveaux idéaux et à chercher le lieu de l’apaisement. La paix est un luxe, il n’y a pas d’accalmie. » dit Joëlle Sambi à l’endroit de sa pratique artistique, au croisement des formes et des luttes.
Née le cul sur une frontière linguistique entre Bruxelles et Kinshasa, Joëlle Sambi dit, crie, écrit des nouvelles, romans, slams, poèmes, documentaires, spectacles, espaces radiophoniques, lieux militants. Cette liste non-exhaustive des traces qu’elle arpente est un lacis de luttes-désirs-nécessités. Meuffe-nomade qui soulève, relève, enlève des strates aux cases de l’identité normative en ponçant du texte, huilant de l’image, savonnant la scène. De terreau post-colonial en terres d’origines, Joëlle mélange les langues, pénètre le monde dans la ferveur et la rigueur de travail.  Viscères et réaction. Sa voix de migrante, lesbienne, afroféministe, exilée permanente écrit non-pas pour en vivre, mais pour en abuser, jusqu’à s’entendre vivre. Colères, Fusion(s) et Créations.

Aphélandra Siassia
Journaliste indépendante, diplômée d'un Master en histoire de l'art contemporain et d'un Master en journalisme culturel, Aphélandra Siassia s'engage sur les terrains féministes intersectionnels, social et artistique.
Dans son travail de rédactrice, elle cherche à faire résonner les voix de celles et ceux que l'on n'entend pas, mettant ainsi son engagement en première ligne.

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En coproduction avec la Friche la Belle de Mai et en partenariat avec L'Arche, Éditeur & Agence théâtrale.
Photo © Margot Briand

Du 22 au 24 octobre

Performance + installation + rencontre

Les salles d'attente de Versailles, également appelées 'antichambres', étaient souvent très ornées et richement décorées avec des tapisseries élaborées, des peintures et des sculptures. Elles étaient conçues pour impressionner les visiteurs et transmettre la richesse et la puissance de la monarchie française.
'L'Antichambre' d'Élie Autin est à la fois passé et prologue. En tant que sanctuaire, son installation-performance commémore les bacchanales passées et y rejoue un nouveau rituel de pouvoir et de séduction.
Dans la 'salle d'attente', les yeux survolent et glissent devant une figure séduisante mais inaccessible ; puis, l'inabordable est abordé.
Prêtresse de «Bacchus», épouse d'un empereur ou elle-même, Élie Autin flirte, attaque et dévore les fantasmes de pouvoir et d'assujettissement.

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Artiste pluridisciplinaire, Élie Autin développe plusieurs mediums artistiques : chorégraphie, mannequinat, performance, arts visuels. Son premier solo 'Présage' a été créé à l’Arsenic en automne 2022. Ses identités fluides y jouent de manière frontale avec le regard du spectateur. Comme performeuse et danseuse, Élie travaille avec plusieurs artistes tel·le·x·s Tamara Alegre, caner teker, Marvin Mtoumo, le collectif Ouinch Ouinch, Nagi Gianni, ou encore Natasza Gerlach. Mannequin et modèle photo, elle performe et pose régulièrement pour différent·e·x·s artistes et marques, comme Dior pour DAZED. En parallèle, l’artiste développe son travail plastique, lors d’expositions à Circuit (Lausanne), Hamlet (Zurich), La rada, (Locarno) ainsi que d’autres lieux.
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Photo © Alice Speller

Aphélandra Siassia
Journaliste indépendante, diplômée d'un Master en histoire de l'art contemporain et d'un Master en journalisme culturel, Aphélandra Siassia s'engage sur les terrains féministes intersectionnels, social et artistique.
Dans son travail de rédactrice, elle cherche à faire résonner les voix de celles et ceux que l'on n'entend pas, mettant ainsi son engagement en première ligne.

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En partenariat avec SOMA et avec le soutien de Pro Helvetia, Fondation suisse pour la culture.

Les 23, 25 et 26 octobre

Atelier • "Brodons ensemble une banderole !"

La banderole est depuis longtemps utilisée dans les luttes sociales. Objet de pouvoir, d'ordre et de désordre, elle peut être fabriquée de moult façons. Venez participer à la fabrication d'une banderole cousue qui sera exposée à la fin du festival :
• chacun·e laissera sa marque en points piqués
• pour raconter nos histoires individuelles et collectives
• nos mains cousent, nos bouches ne sont pas cousues !
• un temps de partage et discussion créative

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“Je suis Jackie Hamilton. Je suis née dans un autre siècle en Écosse mais ça fait longtemps que je suis en France, et 13 ans que j'habite à Marseille. Je suis autodidacte et passionnée des travaux textiles avec un penchant pour la technique du piqué libre — la broderie à la machine à coudre, ou freemotion embroidery en anglais. Mon travail se divise en deux grandes lignes :
• 1/ les costumes et masques
• 2/ les dessins narratifs en piqué libre, avec comme sujets mes rêves, mon quotidien ou ce qui se passe dans le monde.”
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mercredi 23 octobre

Atelier • Fabriquer son balai de pouvoir et de puissance !

Originellement, le balai se compose de tiges végétales séchées liées en fagot, parfois fixées à un manche en bois, plus ou moins long.
À travers toutes les cultures, ce simple outil du quotidien est porteur de symboliques puissantes : sacré ou maudit, cérémoniel, méditatif, purificateur du visible comme du non-visible. Balancier et cadence, il se souille pour révéler la pureté. Ce paradoxe fait du balai un outil de pouvoir depuis la nuit des temps.
Fabrique le tien !

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Euphorbia peregrina utilise l'herbier comme support poétique à la pérégrination et à la contemplation ; support à l'exploration des environnements urbains, périurbains et ruraux, et également support à investir un territoire en tant que ressource de subsistance.
Initiée par les balades quotidiennes d'un chien, cette pratique compulsive, ritualisée et évolutive, s'élabore selon une grille d'actions à accomplir afin de collecter des témoignages de plantes.
Insatiable, E. p. capture images et spécimens dans des collections d'objets et de données sans cesse enrichies et renouvelées au gré des cycles et des lieux.
E. p. est membre du bureau de production et d’accompagnement d’artistes transform!

du 23 au 26 octobre

'Sweet Dreams/Harsh Realities' est une exposition textile faite de plusieurs séries de tableaux utilisant la technique du piqué libre.
Certaines images viennent de mes rêves (que j'écris fidèlement tous les matins depuis 1998 et moins fidèlement depuis plus longtemps), et d’autres de mon quotidien — ce que je vis, ce que je vois. Ce sont des tranches de vie du jour et de la nuit.

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“Je suis Jackie Hamilton. Je suis née dans un autre siècle en Écosse mais ça fait longtemps que je suis en France, et 13 ans que j'habite à Marseille. Je suis autodidacte et passionnée des travaux textiles avec un penchant pour la technique du piqué libre — la broderie à la machine à coudre, ou freemotion embroidery en anglais. Mon travail se divise en deux grandes lignes :
• 1/ les costumes et masques
• 2/ les dessins narratifs en piqué libre, avec comme sujets mes rêves, mon quotidien ou ce qui se passe dans le monde.”
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mercredi 23 octobre

“Cette performance en trois parties traite les espaces de rupture et de dissociation (physique ou sociale) en tant que lieux de rencontre avec Soi. Cheminement vers le passage à l’âge adulte et dépassement des traumatismes : quand la blessure systémique se mêle inexorablement aux racines familiales.
J'ai travaillé à partir d'archives vidéos fantomatiques liées à la Nature et à mon enfance, de textes poétiques écrits au milieu d'un chagrin d'amour, accompagnés par un paysage sonore expérimental, et enfin j'ai écrit une chanson. Le moment de flottement entre la prise de conscience qu'une situation est douloureuse et la décision courageuse de la quitter pour un avenir plus heureux est capturé par une production rock saturée et électronique.”

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George Félicité est un artiste multiple. Martégal et réunionnais, il est actuellement basé à Marseille. Il explore dans ses créations les notions de traumas transgénérationnels et de guérison grâce à la communauté et à la nature. Son art évolutif et polyphonique se pratique par la danse, la musique, la création de costume, la vidéo, la mise en scène, la mode, la magie et l'écriture. Il milite pour la reconnaissance des droits, pour la justice, et pour la libération des personnes noires, lgbtqia+ et/ou handicapées, mais aussi pour celle de tous les peuples oppressés par l'impérialisme occidental et ses normes chtoniennes.

Création 2024
Concept, performance et vidéo : George Félicité
Paysage sonore : Victor Donati
Production musicale : Js Donny & Anotyne
Accompagnement et production : festival transform!
Accueil en résidence : festival transform! ; l’AMI - aide aux musiques innovatrices ; Montévidéo ; Le Mois Multi (Québec).
Photo © Jehane Mahmoud

mercredi 23 octobre

Les lesbiennes volantes sont de retour

Un manifeste poétique, l'idée d'un « moi-nous » transcorporel, tactile, sensible.
Comment dire « nous » ? Imaginez « nous » mais dans un espace-temps du futur. L'eau monte, et des fragments d'archives arrivent diffractés des manifestes trans/féministes du passé, par vagues. Les archives sont mobiles et instables, hantées par des spectres, comme notre mémoire. Le « relent lesbien » est notre infrastructure révolutionnaire. L'eau regorge de substances toxiques et de micro-organismes vivants. Il n'y a pas de frontières entre nos corps.

« Être mouillées, c'est notre métier, / et nous savons très bien le faire ».

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Ilenia Caleo est performeuse et chercheuse en études queer et épistémologies féministes à l'université IUAV de Venise. Elle est l'une des cofondatrices de Campo Innocente, un réseau fondé après la pandémie pour défendre les droits des travailleurs·es de l'art.

Martina Ruggeri, aka Bunny Dakota, est la moitié du duo d’arts performatifs et visuels Industria Indipendente. Elle est créatrice et dj résidente du happening Merende, l'une des soirées queer les plus animées et importantes d'Italie.

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Conception, texte original 'Lesbos | Λέσβος 2174' et voix : Ilenia Caleo
Création sonore : Martina Ruggeri
Traduction : Alessio Bonaccorsi, Alexandre Roccoli, Étienne Letérrier
Production : Ménagerie de verre
Photo © Jacob Khrist

Mémoires : Lynn Margulis | Beatrice Busi | Carla Lonzi Manifeste de la révolte des femmes | Saffo | VNS Matrix Bitch Mutant Manifesto | Anna Tsing | Macau | Helen Hester | Xenopheminism | Astrida Neimanis Hydrofeminism | Karl Marx + Friedrich Engels Manifeste du parti communiste | Valerie Solanas SCUM Manifesto | Monique Wittig | Manifeste des Redstockings | Gilbert, Sapp, Tauber Une vision symbiotique de la vie | Joreen The Bitch Manifesto | Paul Preciado | Rote Zora | Marcus Redike

jeudi 24 octobre à L'Espace Julien

Live audiovisuel • arab club music, électronique expérimentale, breaks

Profondément politique et émancipatoire, la musique de Deena Abdelwahed défie et repousse les frontières artistiques entre techno, profondes lignes de basses et électronique expérimentale pour dessiner de nouvelles formes et réimaginer avec audace la musique arabe post-club. Elle revient à transform! cet automne pour présenter son dernier album ‘Jbal Rrsas’ - et pour la première fois à Marseille - sous la forme d’un live audiovisuel.
Elle sera accompagnée sur scène par le multi-instrumentiste Khalil Epi, Niculin Barandun aux visuels et Pantxo Bertin au son.

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Après des débuts à Tunis, dans un groupe de jazz puis sur la scène électronique locale, Deena Abdelwahed s’installe en France en 2016 et signe sur le label InFiné. Dès son premier et acclamé album Khonnar (2018), Deena dessine une identité musicale sombre, politique et percutante. Dans Jbal Rrsas, son deuxième album (2023), elle déconstruit et réinvente les musiques tunisiennes, arabes et électroniques pour proclamer la naissance d’un nouvel ordre créatif.
Ses explorations musicales sont des tentatives pleines d'espoir de récupérer les éléments qui font la diversité de la musique arabe, en s'inspirant de la dance music électronique influencée par la musique Club et la scène avant-gardiste et expérimentale actuelle.

jeudi 24 oct. à L'Espace Julien

Live • dark trap afro chamanique

LW2 est une artiste unique, se définissant comme une "woman band électrique" rythmée de transe corporelle et de chant incantatoire.

Débarquant tout droit d’un univers hybride et expérimental elle nous fait voyager sur sa Dark trap afro-chamanique, qu’elle compose elle-même à l'aide de loops et d'une pédale à effets.
Elle est inspirée par des styles musicaux tels que le trip-hop, le hip-hop, la trap métal et la musique afro-percussionniste.

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LW2 est une autrice, compositrice, interprète et performeuse.

IG : www.instagram.com/lw2.music
SC : https://soundcloud.com/lw2-officiel
YT : https://www.youtube.com/@LW2MUSIC

jeudi 24 octobre à L'Espace Julien

DJ set • experimental, rave downtempo, acid south archives

Bunny Dakota est la moitié du duo d’arts performatifs et visuels Industria Indipendente, créatrice et dj résidente du happening Merende, l'une des soirées queer les plus animées et importantes d'Italie.
Dans ses sets, elle expérimente de langoureux voyages sonores, secouant le dancefloor comme un superorganisme en mouvement, elle crée des mondes fictifs mêlant Sud, électricité, romance, hautes marées et une sensualité débridée.

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Son approche de la musique s'apparente à l'écriture : connue pour ses longs sets mêlant archives sonores et rythmes à haute intensité, elle collabore avec plusieurs artistes vocaux et sonores.
En 2020, avec un groupe d'artistes de la scène performative italienne, elle fonde Radio India, pour laquelle elle conçoit divers programmes littéraires et musicaux.
Avec Steve Pepe et Yva & Toy George, elle signe l'album Klub Taiga paru en 2021 avec la maison d’édition NERO.

vendredi 25 octobre

Hiatus nous entraîne dans une déambulation visuelle et sonore à la découverte d’une image plus méconnue des quartiers Nord Marseillais. Comme des “hiatus”, ces espaces sont des coupures entre les villes, des discontinuités entre terre et béton, des interruptions d’urbanisation au profit de la nature.
Cette expérience multi-sensorielle et immersive met en lumière la flore des quartiers Nord de Marseille par sa diversité et sa richesse, malgré le stress anthropique.
Afin de montrer la résilience de ces espèces en marge, Euphorbia peregrina, cueilleuse et collectionneuse, et D. Jekyll, DJ aux influences rave, donnent naissance à un herbier sur scène, accompagné d’un flux d’image et rythmé par des musiques électroniques rapides.

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D. Jekyll, à la pratique musicale dite "club", rappelle dans ce projet les origines de la musique électronique, une musique conçue et diffusée par les minorités comme exutoire, offrant des espaces vivaces de rassemblement de revendications.
À l’instar des plantes — contraintes mais résistantes — et des quartiers Nord — stigmatisés mais riches de leur diversité — sa musique vient de la marginalité et en dit la liberté et la persistance. De la techno au hardcore, ces sonorités restent encore aujourd’hui plus répandues dans les périphéries urbaines, comme les free party ou les warehouse.
écouter : https://soundcloud.com/d_jekyll

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Euphorbia peregrina utilise l’herbier comme support poétique à la pérégrination et à la contemplation. Elle explore les environnements périurbains pour en extraire images, sons ou échantillons afin de constituer une collection d’éléments qui racontent l’évolution de ces plantes dans ces milieux excentrés.

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Sortie de résidence - création 2024
Conception et performance : Euphorbia Peregrina (visuels) & D. Jekyll (son)
Soutien scénographie : Sève Saby & Marion Abeille
Soutien technique vidéo : Jonathan Dahan
Accompagnement et production : festival transform!
Accueil en résidence : festival transform! ; l’AMI - aide aux musiques innovatrices ; Centre LGBTQIA+ Marseille
© photo : Eve Mathey

Représentation en partenariat avec l'AMI - Aide aux musiques innovatrices

vendredi 25 octobre

Apocalypso est un duo conçu et dirigé par Luara Raio, interprété et co-créé avec la danseuse et chorégraphe brésilienne Acauã El Bandide Sereia.

Apocalypso tente d’arracher les voiles qui couvrent les mécanismes invisibles de la colonisation du monde, afin de les détruire. En se déployant à la croisée des chemins ('encruzilhada'), la performance active le corps comme un lieu cartographique où performativité, sexualité, spiritualité, fiction et sorcellerie se rencontrent et brouillent leurs frontières. Apocalypso invoque l’opacité de certaines images underground, masquées par une vision raciste, coloniale et cis-hétéronormée du monde.
Avec la performance de leurs deux corps racialisés et queers - guidés par des invocations ancestrales et animistes - le duo nous rappelle que 'nous sommes des croisements' et que nous avons besoin d’être ensemble et de partager nos histoires.

“Ici, dans l’espace où nous nous trouvons, les murs se ramollissent. Ils sont humides et commencent à transpirer un liquide plein de phéromones qui signalent le calme et le plaisir. Nous commençons également à transpirer légèrement, et nos orifices sont lubrifiés. Je mets mon index dans ma bouche et, avec la salive que je recueille, je dessine un carrefour sur le sol. La trace humide commence à s’illuminer, tandis que l’intérieur de ma bouche s’assombrit. Nous sommes au milieu du carrefour et les quatre directions autour de nous spiralent, glissent, explosent. Nous suivons tous les chemins en même temps.”

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Performeure, danseure, chanteure de funk gouine et chorégraphe, Luara Raio se forme aux arts vivants entre le Brésil, le Portugal et la France : à l’Université de Brasília, à Forum Dança à Lisbonne et à Exerce au CCN de Montpellier-Occitanie. Iel a été chanteure et compositeure du groupe de funk gouine Sapabonde de 2010 à 2015, parcourant de nombreuses villes du Brésil en chantant sur l’expérience lesbienne, de lesbiennes à lesbiennes.

(PT-EN-FR-ES) Acauã Shereya, elle é Brasileira, culrégraphe, professora, artiste visuelle, jardineira, artisane, escritora et pós-pornographic. Diplomada en Théâtre (2005) et en Danse (2012), she was a university professora from 2013 to 2015. Ela explore le between des interactions et utilise a "Gambiarra" para buscar as possíveis imagens of Democracy about the bodies de performatividade "Cuir" (Queer). Elle active l'euphorie, le délire, la dispersion et le juego dans ses processus pédagogiques et artistiques.

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Conception et direction : Luara Raio
Performance : Luara Raio et Acauã El Bandide Sereia
Lumière : Lui L'Abbate
Scénographie et costumes : Luara Raio et Anat Bosak
Production, administration : OYA production
Coproduction Centro Cultural de Belém ; O Espaço do Tempo & Rua das Gaivotas 6 (Lisbonne) ; Teatro Praga (Lisbonne) ; CND Centre national de
la danse (Pantin)

vendredi 25 octobre

Raphaël Khouri veut guérir le monde avec des plantes.
Lorsque sa quête de remède l'amène en Grèce et qu'il découvre les origines radicales, queer et intersectionnelles du théâtre occidental, il est forcé de se demander où tout a mal tourné. “Aujourd'hui, tous les théâtres parlent d'inclure les personnes transgenres. Vous ne pouvez pas nous inclure dans votre théâtre parce que vous nous l'avez volé. Et vous l'avez dépouillé de toute sa magie, de sa signification, de sa fonction et de sa sainteté. Il est temps pour nous de le reprendre”.

S'inspirant de faits réels, Raphaël raconte deux histoires qui s'entrecroisent : la sienne, en tant que dramaturge jordanien trans, et son enquête de trois ans sur le mystère de Dionysos, le dieu trans du théâtre.
En combinant performance autobiographique, scénographie en direct et figurines, It Was Paradise, Unfortunately - ici en version solo - offre de nouvelles perspectives, radicales et inclusives, pour les artistes de théâtre et le public du XXIe siècle.

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Version lecture théâtralisée

Raphaël Khouri est un dramaturge documentaire et metteur en scène jordanien qui vit entre Berlin et Le Caire. Il est l'auteur de plusieurs pièces, dont la première pièce arabe trans, 'She He Me' (mise en scène au Kosmos Theatre, Vienne 2019 et également jouée en ligne dans le cadre du Criminal Queerness Festival 2020 de NYC), ou encore 'No Matter Where I Go', une pièce sur la vie des femmes queer et des personnes libanaises non binaires, mise en scène à Beyrouth en 2014.

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Concept, écriture & performance : Raphaël Khouri
Traduction française : Astrid Aïdolan-Ague
Production The Collective
Commande originale de Outburst Arts, avec le soutien du Nebula Fund et du Goethe-Institut

Présentée à transform! avec le soutien de l'Onda - Office national de diffusion artistique.

samedi 26 octobre

Workshop • danse et performance animé par Luara Raio & Acauã Shereya

Nous continuons à inventer et à tirer parti de l'intimité, du partage et de l'entropie à partir de différentes perspectives pour promouvoir des changements dans la perception hégémonique. Être ensemble à travers la dissidence, s'immerger dans la matière du chaos, de la distorsion, faire exploser une expérience magique de la réalité. Déverser les dissonances, répandre les libertés. Incorporation, imagination radicale, destruction des frontières, ramollissement des membranes, humidification des orifices, agitation des molécules, excitation, tremblement, chaleur. Transformer nos processus, nos méthodologies, notre société pour être plus. La performativité comme matière de vie collective, au parfum de sueur et de salive, transversale, coquine et transgressive. Mutante.

Nous avons établi comme l'une des portes d'entrée de cet atelier nos expériences dans la transmission de nos recherches en tant que créateur·es et interprètes des travaux des un·es et des autres. Quel exercice pédagogique faisons-nous pour activer notre recherche dans le corps de l'autre, et comment intégrons-nous la recherche de l'autre dans nos yeux, nos mains, nos viscères ? Nous déploierons la transmission de nos pratiques, pour activer la contamination et le croisement des pratiques des étudiant·es-artistes, personnes, entités, êtres, ami·es, références, groupes, collectifs, copain·es, étranger·es les uns aux autres.

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(PT) Seguimos por inventar e potencializar a intimidade, a partilha e a entropia por diversas perspectivas para promover mudanças na percepção hegemônica. Estar juntes pelo dissenso, submergir na matéria do caos, da distorção, explodir uma experiência mágica da realidade. Derramar dissonâncias, para espalhar liberdades. Incorporação, imaginação radical, destruição das fronteiras, amolecimento das membranas, umedecimento dos orifícios, agitação das moléculas, tesão, tremor, calor. Transformar os nossos processos, as metodologias, a sociedade para sermos mais. Performatividade como matéria de vida coletiva, com cheiro de suor e saliva, transversal, safada e transgressiva. Mutante.
Firmamos como uma das portas de entrada deste workshop as nossas experiências na transmissão das nossas pesquisas enquanto criadoras e intérpretes uma do trabalho da outra. Qual o exercício pedagógico que fazemos para ativar nossa pesquisa no corpo da outra, e como incorporamos a pesquisa da outra nos nossos olhos, mãos, vísceras? Desdobraremos a transmissão de nossas práticas, para ativar a contaminação e o atravessamento das práticas dos alunos-artistas, pessoas, entidades, seres, amigas, referencias, grupos, coletivo, namorados, desconhecidos entre si.

Photo © Acauã Shereya et Marc Coudrais

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en savoir + :
https://www.luararaio.com
https://acauasereia.wixsite.com/acauasereya

samedi 26 octobre

La performance "Manucure Politique", réalisée depuis 2016 dans différents pays d'Europe et Brésil, est une expression artistique fusionnant installation, performance et services de manucure. Créant un espace interactif et inclusif, elle propose des séances de manucure gratuites dans des espaces artistiques, invitant le public à participer. Au-delà de cette offre de service, cette performance suscite des discussions sur le genre, la violence et les performances de genre.
En mettant en scène une manucure transgenre en tant que protagoniste, Lyz Parayzo remet en question les normes traditionnelles de genre, encourageant ainsi un dialogue sur la transidentité. Cette démarche intentionnelle souligne l'importance de la représentation et de l'inclusion des voix marginalisées dans le domaine artistique.

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Lyz Parayzo est née en 1994. Elle a grandi à Rio de Janeiro et vit à Paris. Après des études à l'École des Arts Visuels du Parque Lage et à l'Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro (UNIRIO), elle a obtenu son diplôme dans le programme de master de l'École Beaux-Arts de Paris. Son travail a été présenté au Musée d'Art de São Paulo (MASP), au Musée d'Art de Rio (MAR), à la Pinacothèque de l'État de São Paulo, à 100% L'EXPO La Villette (2024), au Festival Jerk Off (2024, Paris), au Palais des Beaux-Arts dans le cadre de l'exposition "Sur Le feu", dans la collection de la banque Société Générale à l'invitation de la commissaire d'exposition Marie-Anne Yemsi. Elle fait partie des artistes invités par la commissaire d'exposition Alexia Fabre pour la 17ème Biennale de Lyon qui ouvre en septembre de cette année. En 2023, elle a reçu le Prix jeudi des Beaux-Arts - Comité Professionnel des Galeries d'Art. Elle est représentée par la galerie Casa Triângulo à São Paulo.
Photo © Mariana Lopes

interview sur RFI
site web / page instagram

samedi 26 octobre

Ava Naba propose une performance rituelle au cours de laquelle iel explore les arts divinatoires, représentés ici par un immense jeu de cartes peintes à la main : L'Oracle.
Iel y offre une lecture solennelle et compatissante, invitant celleux qui le souhaitent à se connecter aux esprits des éléments naturels, à s’inspirer des symboles présentés pour puiser dans leur propre vécu et ainsi s'autoriser à écouter leur guidance intérieure.
C'est dans cet espace-temps que de mystérieux artefacts se révèlent à la fois comme des outils magiques et des réceptacles d'histoires, conçus pour ouvrir une porte vers une dimension plus sensible de l'existence.

À travers cette performance en constante évolution, Ava cherche à se réapproprier et à recomposer la vision animiste du monde dont iel a été arraché·e.
Cette perspective spirituelle, essentielle à sa survie ainsi qu’à celle de nombreux adelphes partageant l’expérience du déracinement culturel, devient pour iel un moyen de témoigner de cosmogonies plurielles, et ainsi de contrebalancer une pensée matérialiste occidentale, souvent présentée comme unique voie de coexistence avec le monde.

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L'existence d'Ava est, depuis plusieurs années, rythmée par l'exploration de trois pratiques bien distinctes : l'art, la cartomancie et le magnétisme.
Distinctes en apparence, car ces trois univers ne cessent de se chevaucher et de s'entrechoquer pour nourrir ses réflexions et recherches, faisant naître de curieuses hybridations et de nouvelles formes d'expression.
Les médiums qu'iel convoque pour créer ces chimères sont la peinture, le dessin, l'installation, les objets de récupération et plus récemment la performance, afin de proposer des surfaces de réflexions pour l’imaginaire, de créer des atmosphères propices pour l’introspection.
Souvenirs oniriques, arcanes du Tarot de Marseille, rituels ou encore évocations astrologiques deviennent les supports dont iel se sert pour activer ces processus intérieurs et subtils. Ses propositions se veulent intimes; elles s'imprègnent d'une volonté de capter notre attention sur des détails anodins, et portant, iel le croit sincèrement, les promesses réparatrices du recueillement.

IG : https://www.instagram.com/ava.nabaa

samedi 26 octobre

L’onguent des sorcières – tant cité dans les procès de sorcellerie européens – était une préparation végétale destinée à être appliquée sur la peau et les muqueuses du rectum ou du vagin pour générer des états altérés de conscience. Tel l’Ayaguasca en Amazonie, il permettait de construire le monde avec les plantes.

Dans cette performance nous recréons ce vol et racontons une histoire de plantes, de transe, de savoirs physiologiques, écologiques, botaniques et chimiques. C'est une vieille histoire de plantes voyageuses, avant le fatidique 1492. Nous allons traverser le miroir d’obsidienne et dans l’obscurité, voir briller les couleurs, les plaisirs et les savoirs au centre de nos corps : là où on continue à essayer de nous anéantir.

La 'Crème pour voler' que nous avons conçue est une réactualisation non-hallucinogène. Il s’agit d’une formulation pour la sécheresse vaginale, ces muqueuses oubliées, asséchées par la ménopause, la chimiothérapie, les médicaments, les traitements hormonaux. C’est aussi une crème pour les néo-vagins des femmes trans ou pour les anus en manque de câlins. Une crème pour qu’on lève le silence qui pathologise notre plaisir, et pour nous rappeler qu’il n’y a pas de joie ni de savoir sans des relations trans-espèces.

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Chorégraphe, artiste et chercheuse. Depuis 2014, aniara rodado mène des projets de recherche-création avec des plantes, dans une perspective contre-coloniale et transhackféministe, et en alliance avec des êtres non-humains. Il s'agit d’une démarche artistique, théorique et politique pour conjurer les épistémicides et les ruptures dans les savoirs crées entre humainxs et plantes.

Sig Valax crée une musique hybride avec le Perséphone et des synthétiseurs analogiques et modulaires. Elle compose des pièces organiques où les vrombissements des machines s’incarnent en séquences granuleuses, scintillantes, bruitistes.

Enseignante d’arts appliqués et Média Designeuse, Camille Olympie développe une pratique pluridisciplinaire et transmédia. L’animation 2D 3D et la création vidéo constitue une part importante de son écriture.

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Rencontre animée par Aphélandra Siassia
Journaliste indépendante, diplômée d'un Master en histoire de l'art contemporain et d'un Master en journalisme culturel, Aphélandra Siassia s'engage sur les terrains féministes intersectionnels, social et artistique.
Dans son travail de rédactrice, elle cherche à faire résonner les voix de celles et ceux que l'on n'entend pas, mettant ainsi son engagement en première ligne.

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Sortie de résidence - création 2024-2025
Musique : Sigolène Valax
Vidéo, animation live et assistance générale : Camille Olympie
Lumières et écrans des fluides: Jean Marc Chomaz
Fabrication des objets en verre : Jean-Michel Wierniezky
Vidéo, installation, concept et chorégraphie : aniara rodado
Crème pour voler : aniara rodado, Société Genialis
Accueil en résidence : festival transform! ; l’AMI - aide aux musiques innovatrices.
Illustration © Camille Olympie

samedi 26 octobre
On s'associe avec F To Mix pour une joyeuse alternance de lives machine et de dj sets au milieu du dancefloor.
Rdv dans la salle Seita transformée en QG, avec :

La lo-fi de Focon • en live poétique solo

*F TO MIX, c’est l’émission de Radio Grenouille qui plonge dans l'univers musical électronique des artistes LGBTQI+ et féministes ; co-animée par Almevan et Oras Elone.

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Focon emprunte des chemins de traverse au balisage poétique incertain.
Les paysages inconnus qu'il sillonne le nourrisse de leurs sonorités.
Elles s’entremêlent, créent des atmosphères intimes et lointaines.
En lançant ses cris vers le large, il convoque ce qui nous relie.
Lien pour écouter son album ‘Secrètefrech’
Lien pour écouter F To Mix sur Radio Grenouille

samedi 26 octobre
On s'associe avec F To Mix pour une joyeuse alternance de lives machine et de dj sets au milieu du dancefloor.
Rdv dans la salle Seita transformée en QG, avec :

Janis aux platines pour la fête percussive et libératrice

*F TO MIX, c’est l’émission de Radio Grenouille qui plonge dans l'univers musical électronique des artistes LGBTQI+ et féministes ; co-animée par Almevan et Oras Elone.

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Janis est une DJ et artiste multidisciplinaire qui fait bouger les lignes avec ses sets naviguant entre house, deep house et sonorités 90's, toujours teintés d’influences queer. Actrice de la scène alternative, elle impose un style à la fois percutant et libérateur, en phase avec son parcours de femme trans. Ses performances créent des espaces de liberté où se mêlent fête et revendication, entre intensité et audace.

À Marseille cet automne pour enregistrer son premier disque à venir chez nos amix du label Recue + Return Records, Janis lira des extraits de ‘Révéler mes visages’ (co-écrit avec Tal Madesta, paru chez Harper Collins en mai 2024) lors de la soirée d’ouverture du festival, le 19.10 à l’Embobineuse.
Lien pour écouter son dernier titre 'Pharmacoliberation'
Lien pour écouter F To Mix sur Radio Grenouille

samedi 26 octobre
On s'associe avec F To Mix pour une joyeuse alternance de lives machine et de dj sets au milieu du dancefloor.
Rdv dans la salle Seita transformée en QG, avec :

Oras Elone pour un live machine entre chaleur et darkness, dans un flux continu

*F TO MIX, c’est l’émission de Radio Grenouille qui plonge dans l'univers musical électronique des artistes LGBTQI+ et féministes ; co-animée par Almevan et Oras Elone.

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Oras Elone est DJ et musicienne live membre du collectif queer Discordance. Ses lives machine, tout comme ses djsets, délivrent une techno sensuelle aux lignes de basse oscillant entre chaleur et darkness dans un flux continu. En live tout particulièrement, elle s'amuse à triturer ses propres samples pour les faire groover avec ses influences (Hard)Techno, Acid, Break, EBM. Accro aux hardwares et à la magie des LFO, elle a composé 'Alarm' sur le VA MRS-BXL et plus récemment 'Acid Knocks at my Door' en collab avec Slayzee produit par le label Biologic Records.
Son jeu préféré : réussir à faire bouger les sceptiques de la techno.
Son objectif : que le public se sente danser comme une ‘queen’ le temps d’un set.
Son rêve: que le ‘body-shaming’ ne trouve jamais aucun écho sur le dancefloor!
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samedi 26 octobre
On s'associe avec F To Mix pour une joyeuse alternance de lives machine et de dj sets au milieu du dancefloor.
Rdv dans la salle Seita transformée en QG, avec

Almevan, pour un dj set précis et puissant

*F TO MIX, c’est l’émission de Radio Grenouille qui plonge dans l'univers musical électronique des artistes LGBTQI+ et féministes ; co-animée par Almevan et Oras Elone.

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DJ, productrice et organisatrice d'événements à Marseille, Almevan a co-fondé le collectif queer marseillais Discordance. trouve son inspiration dans des sous-cultures électroniques variées, de la techno de Detroit à l’Europe de l’Est et au Moyen Orient. Ses DJ sets précis et puissants, naviguent entre sonorités techno, acid, tech house, break, rave, experimental et créent une ambiance énergique et immersive sur le dancefloor, comme sur les ondes radiophoniques de Radio Grenouille, Lyl Radio, Fourculture ou encore DubLab.
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